음반 산업

음반 산업의 초기 역사는 15세기 중반 르네상스 시대의 음악 출판에서 시작된다. 이 시기에 인쇄술의 발전은 기계로 출력된 악보의 대량 생산과 유통을 가능하게 하였고, 이는 음악이 악보라는 형태로 상품화되는 중요한 계기가 되었다. 이를 통해 작곡가의 작품이 더 넓은 지역의 연주자와 애호가들에게 전파될 수 있는 기반이 마련되었다.

이러한 음악 출판의 발달은 작곡가, 출판사, 연주자, 그리고 악보를 구매하는 소비자를 연결하는 초기 형태의 음악 산업 생태계를 형성하는 데 기여하였다. 당시의 주요 음악 출판 중심지는 이탈리아와 독일 등 유럽의 여러 도시였으며, 인쇄된 악보는 세속 음악과 종교 음악 모두의 보급에 결정적인 역할을 하였다. 이 시기는 음악이 단순한 공연 예술을 넘어 복제와 유통이 가능한 상품으로서의 가치를 인정받기 시작한 시점으로 평가된다.

음반 제작은 음악 산업의 핵심적인 과정으로, 음악 작품을 기획부터 완성된 상품으로 만들어내는 일련의 활동을 포괄한다. 이 과정에는 작곡과 편곡, 녹음, 믹싱, 마스터링 등이 포함되며, 음악 프로듀서와 레코딩 엔지니어가 중요한 역할을 한다. 아티스트의 음악적 아이디어를 구체화하고, 스튜디오에서의 세션을 통해 음원을 완성하는 것이 주요 목표이다.

음반 제작의 첫 단계는 일반적으로 프리 프로덕션으로, 곡의 구성, 편곡 스타일, 녹음 계획 등을 세부적으로 준비한다. 이후 본격적인 녹음 단계에서는 보컬과 각종 악기의 연주를 디지털 오디오 워크스테이션이나 테이프에 기록한다. 믹싱 과정에서는 개별 트랙의 음량, 패닝, 이펙트를 조정하여 하나의 조화로운 사운드로 완성한다. 최종 마스터링은 음반 전체의 음질과 음량을 균일하게 다듬어 다양한 재생 환경에서 최적의 청취 경험을 제공하는 단계이다.

현대 음반 제작은 기술 발전에 크게 영향을 받았다. 홈 레코딩 장비의 보급과 DAW 소프트웨어의 발전으로, 고품질의 제작이 대형 스튜디오 외부에서도 가능해졌다. 이는 인디 음악 생태계의 성장에 기여했다. 또한, 녹음 방식도 아날로그 녹음에서 완전한 디지털 녹음으로 변화하며 워크플로우가 효율적으로 변모하였다.

음반 제작의 결과물은 과거에는 LP나 콤팩트 디스크 같은 물리적 매체로 주로 유통되었지만, 현재는 디지털 음원 파일 형태가 보편화되었다. 완성된 음원은 음반사나 유통사를 통해 시장에 출시되며, 이 과정에서 아트워크 디자인과 패키징도 음반 제작의 연장선으로 고려되는 경우가 많다.

음반 산업에서 유통 및 판매는 완성된 음원이 최종 소비자에게 도달하기까지의 물리적, 디지털적 경로를 포괄하는 핵심 과정이다. 이 과정은 전통적으로 물류와 소매 네트워크에 크게 의존했으나, 디지털 기술의 발전으로 그 형태가 근본적으로 변화하였다.

과거에는 음반사가 제작한 CD나 LP와 같은 물리적 매체가 도매상을 거쳐 전국의 레코드 가게나 대형 마트에 배치되는 방식이 주류를 이루었다. 이는 복잡한 공급망 관리와 재고 위험을 수반하는 방식이었다. 그러나 인터넷과 파일 공유 기술의 보급 이후, 디지털 다운로드 서비스를 통한 온라인 판매가 새로운 유통 채널로 급부상하였다.

현대의 유통 및 판매는 스트리밍 서비스가 절대적인 중심에 있다. 스포티파이, 애플 뮤직, 유튜브 뮤직과 같은 플랫폼을 통해 소비자는 구매 없이도 광범위한 음악 카탈로그에 접근할 수 있으며, 이는 음반 산업의 주요 수익 모델을 소유에서 접근으로 전환시켰다. 이러한 변화는 저작권 관리와 로열티 분배 구조를 더욱 복잡하게 만들었으며, 아티스트와 레이블에게 새로운 과제를 제시하고 있다.

음악 출판은 음악 산업의 핵심 구성 요소 중 하나로, 음악 작품의 악보, 가사, 음원에 대한 저작권을 관리하고 이를 상업적으로 활용하는 사업 분야이다. 이는 단순히 악보를 인쇄하여 판매하는 것을 넘어, 작곡가와 작사가가 창작한 음악의 모든 권리를 보호하고 라이선스를 통해 수익을 창출하는 체계를 의미한다. 음악 출판사는 작곡가 및 작사가와 계약을 맺고, 그들의 작품이 음반 녹음, 공연, 방송, 영상 매체, 광고, 스트리밍 등 다양한 경로에서 사용될 때 발생하는 저작권 사용료를 수집하고 분배하는 역할을 담당한다.

음악 출판의 역사는 15세기 중반 르네상스 음악 시대까지 거슬러 올라간다. 이 시기에 인쇄 기술의 발달로 기계가 출력한 악보를 사용한 음악 출판이 본격적으로 발달하기 시작했다. 이는 음악 작품의 대량 복제와 보급을 가능하게 하여, 음악의 대중화와 상업화의 초석을 마련했다. 현대에 이르러서는 디지털 기술의 발전으로 악보의 형태뿐만 아니라 디지털 음원과 관련된 복제권 및 공연권 관리가 음악 출판의 중요한 영역으로 자리 잡았다.

음악 출판의 주요 수익원은 저작권 사용료이다. 이는 크게 기계적 복제권 사용료, 공연권 사용료, 동기화 권리 사용료로 나눌 수 있다. 기계적 복제권은 음반이나 디지털 파일로 음악을 복제할 때 발생하며, 공연권은 라디오 방송, 공공 장소에서의 배경 음악 재생, 콘서트 등에서 음악이 공연될 때 적용된다. 동기화 권리는 영화, 텔레비전 프로그램, 광고, 비디오 게임 등에 음악을 삽입할 때 필요한 라이선스를 의미한다. 이러한 권리 관리를 위해 각국에는 저작권 집중 관리 단체가 설립되어 운영되고 있다.

따라서 음악 출판은 창작자의 권리를 보호하는 동시에, 음악이 다양한 미디어와 플랫폼을 통해 유통되고 소비될 수 있는 법적·경제적 토대를 제공한다. 이는 음반 제작, 유통, 공연과 더불어 음악 산업 생태계의 균형을 유지하는 데 필수적인 역할을 한다.

음악 산업에서 공연은 음악가가 직접 청중 앞에서 연주하는 활동을 의미한다. 이는 콘서트, 페스티벌, 클럽 공연, 뮤지컬 등 다양한 형태로 이루어진다. 공연은 음악가에게 음반 판매 외의 중요한 수익원을 제공하며, 특히 디지털 시대에 들어 음반 판매 수익이 감소하면서 그 중요성이 더욱 부각되었다. 공연 산업은 프로모터, 공연장, 티켓 판매업체, 무대 및 음향 기술자 등 다양한 관련 직군을 포괄하는 생태계를 형성한다.

라이선싱은 음악의 저작권을 타인에게 허가하여 사용하게 하는 행위이다. 음악은 영화, 텔레비전 프로그램, 광고, 비디오 게임, 온라인 콘텐츠 등 다양한 매체에서 사용된다. 음악의 저작권은 일반적으로 작곡가와 작사가가 보유하는 공연권 및 저작인접권과, 음반 제작자가 보유하는 음반 저작권으로 나뉜다. 라이선싱을 통해 이 권리들을 관리하고 사용료를 징수하는 것이 음악 산업의 핵심 수익 모델 중 하나이다.

라이선싱 거래는 주로 음악 출판사나 음반사를 통해 이루어진다. 예를 들어, 영화에 특정 곡을 사용하려면 제작사는 해당 곡의 동기화 라이선스를 음악 출판사로부터, 그리고 해당 음원의 마스터 사용 허가를 음반사로부터 각각 취득해야 한다. 이러한 복잡한 권리 구조는 전문 음악 감독이나 라이선스 중개업체의 역할을 중요하게 만든다.

공연과 라이선싱은 서로 긴밀하게 연결되어 있다. 성공적인 공연은 음악의 인지도를 높여 라이선싱 수요를 증가시키고, 반대로 영화나 광고에 사용된 음악은 해당 음악가의 공연 관객을 늘리는 선순환 효과를 창출한다. 따라서 현대 음악 산업에서 아티스트의 성공은 음반 판매뿐만 아니라 공연 활동과 라이선싱 수익을 종합적으로 관리하는 전략에 달려 있다고 볼 수 있다.

메이저 레이블은 음악 산업 내에서 시장 점유율과 영향력이 가장 큰 다국적 음반사들을 지칭한다. 전통적으로 유니버설 뮤직 그룹, 소니 뮤직 엔터테인먼트, 워너 뮤직 그룹이 세계 3대 메이저 레이블로 꼽힌다. 이들은 방대한 자본력, 글로벌 유통망, 마케팅 네트워크를 바탕으로 음악 시장의 상당 부분을 지배하며, 전 세계적으로 유명한 아티스트 다수를 소속시키고 있다.

메이저 레이블의 주요 사업은 아티스트 발굴, 음반 제작, 마케팅, 그리고 전 세계적인 유통과 판매를 포괄한다. 이들은 아티스트와 계약을 맺고 음원 제작에 필요한 선투자 비용을 지원하며, 완성된 음원을 CD, 디지털 다운로드, 스트리밍 서비스 등 다양한 채널을 통해 판매한다. 수익은 음반 판매와 스트리밍 로열티, 음악 저작권 관리, 그리고 아티스트의 공연 및 라이선싱 사업에서 발생한다.

메이저 레이블은 종종 독립적인 예술성을 추구하는 인디 레이블과 비교된다. 인디 레이블에 비해 상업적 성공을 중시하는 경향이 있지만, 최근에는 다양한 음악 장르와 신진 아티스트를 포용하기 위해 인디 레이블을 자회사로 두거나 파트너십을 맺는 경우도 많다. 메이저 레이블의 존재는 음악 산업의 구조와 아티스트의 성공 경로에 지대한 영향을 미치는 핵심 요소이다.

인디 레이블은 메이저 레이블에 소속되지 않고 독립적으로 운영되는 음반 회사이다. 메이저 레이블에 비해 규모는 작지만, 특정 음악 장르나 지역에 특화하거나 실험적인 음악을 발굴하는 데 중요한 역할을 한다. 인디 레이블은 아티스트에게 더 많은 창작 자유와 수익 분배에서 유리한 조건을 제공하는 경우가 많다. 이들은 종종 니치 시장을 공략하며, 펑크 록, 인디 록, 일렉트로닉 음악, 힙합 등 다양한 장르에서 활발히 활동한다.

인디 레이블의 운영 방식은 매우 다양하다. 소규모 팀이 모든 업무를 처리하거나, 특정 분야만 전문적으로 담당하기도 한다. 주요 업무에는 아티스트 발굴 및 계약, 음반 제작, 마케팅, 유통이 포함된다. 전통적으로는 CD나 LP 같은 물리적 매체를 통한 판매에 의존했지만, 디지털 시대에는 스트리밍 서비스와 온라인 음원 판매가 주요 수익원이 되었다.

인디 레이블은 종종 대형 유통 네트워크에 직접 접근하기 어려워, 독립적인 유통사나 다른 레이블과의 제휴를 통해 시장에 진출한다. 또한, 라이브 공연과 상품 판매를 통한 수익 창출도 중요한 비즈니스 모델이다. 이러한 유연성과 독립성 덕분에 인디 레이블은 음악 산업 내에서 지속적인 혁신과 다양성의 원동력으로 평가받는다.

음반 산업의 디지털 전환은 1990년대 말부터 본격화된, 음악 콘텐츠의 저장과 유통 방식이 물리적 매체에서 디지털 파일로 근본적으로 변화하는 과정을 가리킨다. 이 전환의 핵심 계기는 MP3와 같은 디지털 오디오 압축 기술의 보급과 초고속 인터넷 접속의 확대였다. 이로 인해 CD와 같은 전통적 매체의 판매가 감소하기 시작했으며, 음악 파일의 불법 복제와 P2P 파일 공유가 만연하면서 산업의 기존 수익 모델이 크게 위협받았다.

이러한 위기 속에서 등장한 새로운 패러다임이 음악 스트리밍 서비스이다. 애플의 iTunes Store는 합법적인 디지털 음원 다운로드 시장을 창출한 선구자였으며, 이후 스포티파이, 애플 뮤직, 유튜브 뮤직과 같은 정액제 기반 스트리밍 서비스가 산업의 주류가 되었다. 이 서비스들은 사용자에게 월정액을 내고 방대한 음악 라이브러리에 접근할 수 있는 권한을 제공하는 구독 모델을 기반으로 하여, 산업의 수익 흐름을 물리적 판매에서 디지털 접근과 이용으로 전환시켰다.

디지털 전환은 산업 구조 자체에도 깊은 영향을 미쳤다. 메이저 레이블은 여전히 강력한 영향력을 행사하지만, 디지털 음원 유통망을 통해 인디 레이블과 독립 음악가들이 전 세계 시장에 직접 진출할 수 있는 장벽이 낮아졌다. 또한 데이터 분석을 통한 청취 트렌드 파악이 마케팅과 아티스트 발굴에 중요한 도구로 자리 잡았으며, 소셜 미디어와 동영상 공유 사이트는 음악 홍보와 발견의 핵심 채널이 되었다. 이로써 음반 산업은 단순한 음반 제조 및 판매 산업을 넘어, 디지털 플랫폼을 중심으로 한 복합적인 콘텐츠 산업으로 진화하고 있다.

스트리밍 서비스는 21세기 음반 산업의 가장 중요한 유통 및 소비 채널로 자리 잡았다. 이 서비스는 사용자가 인터넷을 통해 음악을 실시간으로 스트리밍하여 듣는 방식을 제공하며, CD나 디지털 다운로드와 같은 소유 중심의 기존 모델을 대체하는 추세이다. 주요 글로벌 서비스로는 스포티파이, 애플 뮤직, 유튜브 뮤직 등이 있으며, 이들은 방대한 음악 라이브러리를 월정액 또는 광고 지원 무료 모델로 제공한다.

이러한 서비스의 등장은 음악 시장의 수익 구조를 근본적으로 변화시켰다. 메이저 레이블과 인디 레이블 모두 아티스트의 음원이 스트리밍될 때 발생하는 저작권 사용료를 주요 수입원으로 삼게 되었다. 수익은 일반적으로 스트림 횟수에 비례하여 분배되며, 이 과정에서 음악 출판 권리와 공연 권리가 복잡하게 연관된다. 이 새로운 모델은 소비자에게 저렴하고 편리한 접근성을 제공하는 동시에, 산업 전체의 디지털 전환을 가속화하는 핵심 동력이 되었다.

그러나 스트리밍 서비스의 확산은 몇 가지 주요 논란을 동반한다. 가장 큰 이슈는 아티스트, 특히 중소 규모의 음악가에게 지급되는 실제 수익이 미미할 수 있다는 점이다. 또한, 서비스 제공업체와 레코드 레이블, 음악 작곡자 간의 계약 조건과 로열티 분배 비율은 계속해서 논의의 중심에 있다. 이러한 변화 속에서 산업은 저작권 보호 체계의 현대화와 더욱 공정한 수익 분배 모델을 모색하고 있다.

글로벌 음악 시장은 전통적으로 미국, 일본, 영국, 독일, 프랑스 등 소수의 선진국이 주도해왔다. 특히 미국은 세계 음반 판매의 약 37~40%, 시장 가치의 약 30~35%를 차지하며 압도적인 1위 시장이다. 일본은 판매 점유율보다 시장 가치 점유율이 높은 특징을 보이며, 영국과 독일은 유럽을 대표하는 주요 시장이다. 이들 상위 5개국은 전 세계 음악 시장의 대부분을 형성한다.

2000년대 이후 디지털 전환과 스트리밍 서비스의 급성장은 시장 지형을 빠르게 변화시켰다. 라틴 아메리카와 아시아 지역의 신흥 시장 성장이 두드러지며, 특히 모바일 인터넷 보급이 확대된 지역에서 디지털 음원 시장이 급속히 성장하고 있다. 브라질, 멕시코, 대한민국 등의 시장이 점차 중요성을 더해가고 있다.

시장의 수익 구조도 근본적으로 변화했다. 과거 CD와 같은 물리적 매체 판매에 의존하던 수익 모델은 쇠퇴했으며, 대신 음악 스트리밍을 통한 접근 기반 모델이 주류가 되었다. 이에 따라 글로벌 시장의 통계는 단순한 음반 판매량이 아닌, 스트리밍 횟수, 구독자 수, 디지털 다운로드 매출 등을 종합적으로 평가하는 방식으로 진화하고 있다. 글로벌 음악 시장은 기술 발전과 소비 패턴 변화에 지속적으로 영향을 받으며 재편되고 있다.

음악 산업의 나라별 통계는 전통적인 음반 판매에서 디지털 및 스트리밍 시장으로의 변화 속에서도 국가 간 시장 규모와 소비 패턴의 차이를 보여준다. 역사적으로 20세기부터 21세기 초까지 미국, 일본, 영국, 독일, 프랑스가 세계 음악 시장의 대부분을 차지해왔다. 특히 미국은 전 세계 음반 판매의 약 37-40%, 시장 가치의 약 30-35%를 점유하며 압도적인 1위를 유지해왔다. 일본은 판매 점유율보다 높은 시장 가치 점유율을 기록하며 강력한 내수 시장을 형성했고, 유럽 국가들은 비교적 안정적인 시장을 구축했다.

싱글 판매 통계는 물리적 매체와 디지털 매체 간의 소비 전환을 명확히 보여준다. 2005년 기준, 일본은 디지털 싱글 판매 점유율이 85%에 달해 조사 국가 중 가장 빠른 디지털 전환을 보였으며, 이는 모바일 문화의 발달과 깊은 연관이 있다. 반면 영국과 유럽 연합 전체는 물리적 싱글 시장이 상대적으로 강세를 보였고, 미국은 두 시장 모두에서 상위권을 차지했다. 대한민국의 경우 당시 디지털 싱글 점유율은 낮았으나, 이후 K-POP의 글로벌 성장과 함께 디지털 음원 시장이 급격히 확대되는 계기가 되었다.

2005년의 레코드 음악 소매 판매 통계는 국가별로 선호하는 매체와 시장의 동향 차이를 보여준다. 미국은 CD와 DVD를 포함한 총 소매량이 가장 많았으나 전년 대비 가치가 하락하는 추세를 보였다. 인도와 러시아, 멕시코와 같은 신흥 시장에서는 CD 판매량이 높게 나타나 물리적 매체에 대한 수요가 여전히 존재했으며, 특히 멕시코는 양과 가치 모두에서 급성장을 기록했다. 반면 네덜란드, 스웨덴, 오스트레일리아 등에서는 소매 판매 감소율이 두드러지며 디지털 유통 채널로의 조기 이동이 예상되었다.

싱글 판매는 음반 산업에서 하나의 곡을 중심으로 한 음반의 판매를 가리킨다. 전통적으로 싱글은 정규 음반을 홍보하거나 선행 발매하는 수단으로 활용되었으며, CD 싱글이나 카세트 싱글과 같은 물리적 매체 형태로 유통되었다. 특히 1990년대와 2000년대에는 영국과 일본이 전 세계 물리적 싱글 시장에서 큰 점유율을 차지했다.

2000년대 중반 이후 디지털 다운로드와 스트리밍 서비스의 등장으로 싱글 판매의 양상은 크게 변화했다. 디지털 환경에서는 iTunes와 같은 온라인 음원 스토어를 통한 디지털 싱글 판매가 활성화되었으며, 이는 음원 차트 집계의 주요 지표가 되었다. 2005년 기준으로 일본은 디지털 싱글 시장에서 85%라는 매우 높은 점유율을 기록한 반면, 유럽 연합은 13.2%, 미국은 6.3%의 점유율을 보였다.

현대 음악 시장에서는 스트리밍 플랫폼에서의 재생 횟수가 싱글의 성공을 가늠하는 핵심 기준이 되었다. 이로 인해 아티스트들은 정규 음반 발매 전 하나의 강력한 싱글 곡을 선보여 관심을 집중시키는 마케팅 전략을 자주 사용한다. 결과적으로 싱글 판매는 단순한 매출 지표를 넘어, 음악의 대중적 인기와 트렌드를 반영하는 중요한 지표 역할을 계속하고 있다.

레코드 음악 소매 판매는 음악 산업의 핵심적인 수익 흐름을 보여주는 지표이다. 이는 음반, 싱글, DVD 등 다양한 형태의 음악 매체가 소비자에게 최종 판매되는 과정을 포함하며, 전통적으로 CD와 DVD의 물리적 매체 판매가 주를 이루었다. 2005년 기준으로는 미국, 일본, 영국이 시장 규모 상위 3위를 차지했으며, 이들 국가의 소매 판매액이 전 세계 시장의 상당 부분을 차지했다.

2005년 중간 소매 판매 통계를 보면, 국가별로 주요 매체별 판매량과 그에 따른 시장 가치를 확인할 수 있다. 당시 미국 시장은 싱글 1470만 장, CD 3억 50만 장, DVD 1160만 장이 판매되어 총 4783.2백만 달러의 가치를 기록했다. 일본은 싱글 2850만 장, CD 9370만 장, DVD 850만 장이 팔려 약 2258.2백만 달러의 시장을 형성했다. 이러한 데이터는 물리적 매체 중심의 전통적 유통 구조가 여전히 강세를 보이던 시기의 모습을 담고 있다.

그러나 이 시기는 디지털 전환의 초기 단계로, 많은 국가에서 전년 대비 소매 판매 가치가 하락하는 추세를 보였다. 예를 들어, 미국은 전년 대비 5.3%의 가치 하락을 기록했으며, 일본은 9.2% 하락했다. 반면, 멕시코와 러시아와 같은 신흥 시장에서는 판매량과 가치가 크게 증가하는 양상을 보이기도 했다. 이는 글로벌 음악 시장의 지역별 불균형적인 성장과 변화를 반영한다.

이 통계는 이후 급격히 확산된 스트리밍 서비스에 의해 시장 구조가 근본적으로 재편되기 직전, 물리적 매체 판매가 여전히 주요 수익원이었던 마지막 시기의 중요한 스냅샷이다. 이 데이터는 음반 제작에서 유통 및 판매에 이르는 산업 생태계의 과거 모델을 이해하는 데 기초 자료로 활용된다.

음반 산업에서 저작권은 창작물의 보호와 수익 창출의 핵심 법적 기반이다. 음악 저작권은 크게 음악 저작물(곡, 가사)에 대한 저작권과 음원(녹음물)에 대한 저작인접권으로 구분된다. 작곡가와 작사가는 자신의 음악 저작물에 대한 권리를 가지며, 가수나 연주자, 음반 제작자는 특정 연주를 고정한 음원에 대한 권리를 가진다. 이러한 권리는 공연, 복제, 배포, 2차적저작물 작성 등에 관한 독점적 권리를 포함한다.

디지털 환경의 확산은 전통적인 저작권 체계에 큰 도전을 가져왔다. 1990년대 말부터 활성화된 파일 공유 서비스와 P2P 네트워크를 통한 불법 다운로드는 음반 시장의 매출을 급격히 감소시켰다. 이에 따라 저작권법은 디지털 밀레니엄 저작권법(DMCA)과 같은 새로운 법적 장치를 도입하여 기술적 보호 조치를 무력화하는 행위를 규제하고, 온라인 서비스 제공자(OSP)의 책임을 명시하는 등 진화해왔다.

현재 주요 논쟁점은 스트리밍 서비스 등 새로운 유통 채널에서의 공정한 수익 분배이다. 아티스트와 음반사는 스트리밍 플랫폼이 창출하는 막대한 수익 중 극히 일부만을 배당받는다고 주장하며, 로열티 계산 방식의 투명성과 공정성을 요구하고 있다. 또한 인공지능을 이용한 음악 생성이 기존 저작권법으로는 명확히 규정하기 어려운 새로운 문제를 제기하고 있다.

음반 산업의 수익 모델은 디지털 전환과 함께 근본적인 변화를 겪었다. 과거 음반의 물리적 판매가 주요 수익원이었다면, 2000년대 이후 파일 공유와 불법 다운로드로 인해 이 모델은 크게 위축되었다. 이에 따라 산업은 온라인 음악 상점을 통한 디지털 음원 판매로 초점을 옮겼으며, 애플의 아이튠즈 스토어가 대표적인 성공 사례가 되었다.

2010년대 이후에는 스트리밍 서비스가 새로운 주류 수익 모델로 자리 잡았다. 스포티파이, 애플 뮤직, 멜론과 같은 플랫폼은 사용자에게 월정액을 받고 무제한 청취를 제공하는 구독 모델을 기반으로 한다. 이 모델은 소비자에게 편의성을 제공하는 대신, 아티스트와 레이블에게는 전통적인 음반 판매 대비 단위당 낮은 수익을 가져다주며 논란의 원인이 되기도 한다.

이러한 변화는 아티스트의 수익 창출 방식을 다변화시켰다. 음원 판매나 스트리밍 로열티에만 의존하기보다, 공연 및 투어, 상품 판매, 브랜드 협찬, 유튜브 광고 수익, 그리고 소셜 미디어를 활용한 직접 후원(페이트리온 등)이 중요한 수입원으로 부상했다. 특히 인디 음악 신에서는 크라우드펀딩을 통한 앨범 제작이 새로운 자금 조달 방식으로 정착하였다.

결국, 음반 산업의 수익 모델은 단일한 제품 판매에서 복합적인 서비스와 경험을 제공하는 방향으로 진화하고 있으며, 이는 음악가와 소비자 간의 관계 재정의를 계속해서 요구하고 있다.

음악 산업의 미래 전망은 디지털 전환이 심화되고 새로운 기술이 등장함에 따라 지속적인 변화를 겪을 것으로 예상된다. 스트리밍 서비스의 성장세는 계속될 것이며, 인공지능과 머신 러닝을 활용한 음악 추천 알고리즘은 청취 경험을 더욱 개인화할 전망이다. 또한, 블록체인 기술은 음악 저작권 관리와 로열티 분배의 투명성과 효율성을 높이는 데 활용될 수 있다.

아티스트와 인디 레이블은 소셜 미디어와 직접적인 팬 커뮤니케이션을 통해 기존 메이저 레이블에 대한 의존도를 줄이는 독립적인 수익 모델을 강화할 것이다. NFT와 같은 디지털 자산은 음악 작품의 새로운 소유와 수집 방식을 제시하며, 특히 팬덤 경제에서 중요한 역할을 할 가능성이 있다.

글로벌 시장에서는 동남아시아와 라틴 아메이카 지역의 성장이 두드러질 것이며, 현지 언어 콘텐츠에 대한 수요가 증가할 것이다. 라이브 공연과 머천다이징은 음악 산업의 핵심 수익원으로 자리매김하며, 가상 현실과 증강 현실을 결합한 혼합형 공연이 새로운 표준으로 부상할 수 있다. 결국, 산업은 기술 발전, 아티스트의 자립성 강화, 글로벌 시장의 다양성 확대라는 세 가지 축을 중심으로 진화해 나갈 것이다.